＜仕上げー２＞

　　前回は、仕上げに入った場合の、絵のチェックの仕方について述べたが、もう一つチェックの仕方があるので、ご紹介しよう。　これについても、以前書いたことであるが、ためになることなので、繰り返すことにする。

　　さて、前回、絵のチェックは、こうすると良いという話をした。　できるだけ客観的に見るための要領である。　今回は、クオリテイーチェックの仕方をご紹介する。　クオリテイーなので、作品の質をチェックするということになる。　初心者には、質までは恐れ多いと思うかも知れないが、知っていて損はない。

　　やり方は、いたって簡単。　他の絵と比べるというやり方をする。　比較して確認する。

　　そもそも、制作は思い込みが描かせるものなので、作者は制作終盤になると、相当思い込みも激しくなり、絵を見る目も曇りがちである。　
　　つまり、描いた絵と、自分の中の思い込んだイメージを足して絵を確認するということが、起きる場合がある。　これは、結構慣れた人でも起きる現象であるので、結構厄介だと言える。

　　最近、そういう典型的な例に出会った。　ある人（男の人）が、私に絵を見せた。　絵の経験は、１５年以上のベテランで、丹念に描き込んだ作品は見栄えが良い。　
　　その人が、家族旅行した際に、宿のそばにある海岸を、朝早く一人で散歩したらしい。　静かで穏やかな景色だったのであろう、それを写真に撮り、あとで、一枚の水彩画にした。　その絵の感想を聞かれたのである。　
　
　　正直、これが何とも寂しい絵であった。　寂しいというのは、孤独という意味でなく、絵が寂しい。　イメージだけで、見る要素が少ないというか、普通はもっと色々描くだろうと思うような絵であった。　

　　本人は、結構良い感じに描けていると思ったのだが、家族には不評。　それで、私に感想を聞くことになった。　
　　まあ、これが思い込みの為せるワザというもの。　

さて、どう思い込んだのだろうか。

　　つまり、前述したように描いた絵と、自分の中の思い込んだイメージを足して絵を確認していたのである。　　　彼の頭の中には、その時の情景がまだ残っている。　それで、描いた絵を見ると、潮の香りや、波の音、朝の爽やかな空気などが、感じられるのだろうと思う。　
　　そのため、彼にとっては、その情景は克明である必要がない。　描いた絵と頭の中のイメージを足すと、ちょうど良かったのだろう。

　　しかし、それでは、第三者が見たら、何か足りないと思うわけだ。　

さて、話を戻そう
　　こういう場合、他の絵と比べてみる。　キチッと描かれている絵であれば、何でも良い。
　　カレンダーに付いている名画シリーズでも良いし、切り抜きでも良い。　比べてみると、目が醒める。　
　　本人は、そこで「あれー！」と思うわけである。　

要領としては、他の絵をジーと見る。　よく描かれているなとか、良い感じだなとか、できるだけその絵のことを考える。　それから、自分の絵をパッと見る。　それだけで、十分。　間違いは一目瞭然であろう。

　　前回の「仕上げ」では、できるだけ客観的に自分の絵を見る説明をしたが、万一ほとんど客観的に見たとしても、クオリーテイーは、別の話なので、前回のやり方と、今回のやり方の両方を仕上げと思ってもらいたい。　
　　まとめると、できるだけ客観的な状況下で回数チェックし、他の絵と比べて、さらにチェックすること。　それが「仕上げ」という作業と覚えよう。　

　　これなら大丈夫というところまでチェックし、また、そこまで神経質になれたら、絵は相当上手くなっていくと、約束できる。　
　　だがしかし、そこまで神経質に考えられなかったら、先は長いと考えよう。　いつかそういう時が来ることを期待して、のんびりやりましょう。

　　
田屋のアート講義は、‘０９/４/２３(木)を以って終了しました。

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＜仕上げ＞　　
　　
　　７回目のアート講義は、仕上げについて。　

以前「研究上レベル」でも仕上げについて述べたので、興味のある方は、そちらも読んで頂けると、分かりやすいかもしれない。

　　さて、おそらく、ほとんどの絵画教室では、仕上げはやらないと思う。 仕上げと言う言葉自体先生は、使わないのではないかと思う。　理由は至って簡単で、面倒だからである。　
　　仕上げは、もっとも難しい作業である上に、説明が難しく、さらに、非常に感覚的な作業であるため、仕上げを教えだしたら、マンツーマンにならざるを得ない。　それが、面倒なので、仕上げは教えずに、先生の「ハイ！ＯＫ」で済ませてしまう。　
　　たぶん、当たっている。　自分で学べというのが、先生の言い分だろう。　

　　そのせいか、他の絵画教室経験のある生徒さんが、一様に仕上げについて何も知らなかった。
　　仕上げという言葉自体知らない。　まあ、教え方は人それぞれで、私がとやかく言う問題ではないので、先に進む。

　　なぜ、仕上げが難しいか。　

簡単に言って、仕上げは幕引きなので、タイミングが難しい。　

　　しかし、タイミングだけなら、それほど難しくはない。　このタイミングの判断を邪魔するものが、二つあるので、ややっこしい。
　　一つが欲望・願望、二つ目が客観性の欠如。

分かりやすく説明すると、まず一つ目は、絵をもっと良くしようとする欲望や願望が、タイミングの足を引っ張る。　初心者には、ほとんど無縁と言っていいが、絵の経験５年から１０年以上になると、こういう現象が起こる。　
　　
　　二つ目が、客観性の欠如。　その絵に付き合い過ぎたために、自分の絵が分からなくなってしまう状態を指す。　つまり、第三者的に自分の絵が見れなくなってしまうのである。　これは、誰でも陥るので、初心者にも当てはまる。

　　さて、この厄介な二つに対処する方法だが、一つ目の欲望・願望に関しては、対処法はない。
　　本人の気持ちなので、どうすることもできない。
したがって、仕上げ方は、二つ目の客観性の欠如に対する要領の話になる。　
　　
　　いかにして、客観的に見るか？　である。

できるだけ客観的に見る状況を作ると言うのが、答えになる。
　　本当は２、３年絵を寝かすのが、一番良い。　２、３年その絵から離れれば、ほぼ間違いなく、絵を見た時の状況は、第三者に近いものがある。　しかし、制作の現場で毎回それはできないので、その絵のことをできるだけ頭から切り離す状況を作るということになる。

　　具体的に言うと、絵をチェックする時に、絵を見ながら後ろに下がってはいけない。　絵をチェックする時は、絵から離れて、後ろに下って見ることは、皆するであろう。　そういう時に、見ながら下ったのでは、絵のことが、頭から離れない。　
　　下がる時は、後ろ向きに、できるだけ絵のことは、考えずに、また見ないようにして下る。　他のものをじっと見るのも良い。　それから、１回だけ、絵をパッと見る。　その時に感じたこと、印象は、第三者が見た時に少しは近いだろうということ。　

　　初心者は、「ウソでしょう？」と思うかもしれないが、制作の現場では、そういう面倒なことをする。

　　また、仕上げは描くというより整理なので、仕上げに入ったら、急がないこと。　急いでもどうしようもない。　私は、仕上げに入ったら、買い物に行くとか、用事を済ませてしまうことが多い。
　　戻って来た時に、パッと見て直し、また出掛ける。　

まあ、いずれにしろ完璧な方法はないと言って良い。　だから、納得のいくまで、パッと見るを繰り返す。　３日で描いた絵を仕上げに入ったら、その後、２週間掛かったこともある。　良いか悪いかの問題ではなく、結局、最後まで迷いに迷うのである。　
　　制作で、責任を持ってできないのは、仕上げだと言っても良いかもしれない　　
だから、仕上げに入ったら、何度もチェックすると覚えよう。　何度もチェックして、安心を得るしかない。　それほど、厄介なのが仕上げである。　

藤田嗣冶が言っている。

　　「１回見るか、１００回見るか」

我々は、１００回見ることにしましょう。

　　　
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＜制作技術についてー２＞

　　６回目のアート講義は、制作技術パート２。

前々回、描写技術と制作技術の違いの話が出た。　今回は、制作技術の具体的な話をしてみようと思う。　
　　なぜ、これほど制作技術を繰り返し解説するかと言えば、「制作」とは、ほとんど制作技術のことだからである。　制作＝制作技術　と、考えている。　それで、「制作」を語れば、制作技術も当然登場するわけである。

　　制作技術は、段取り技術であり、制作の大枠であると前回の「描写技術と制作技術の違い」で述べた。　つまり、描くこと以外は、全て制作技術と考えて良い。
　　制作技術は、段階分けすることができる。　段取り技術なので、当然こういう考え方ができるのだが、ここでその段階分けをしてみよう。　
　　何かを描いてみたいと思うところから、制作技術は始まるので、最初は、「発想」になる。　この場合の発想は、「何か」に当たる部分の発想なので、最初の発想という意味で「第一発想」と呼ぶことにする。

① 第一発想
② エスキース（試作）、または簡単な確認のための下書き。
③ 描き始め・制作序盤
④ 描き進み・制作中盤
⑤ 第二発想（制作の中盤あたりで、大体、皆、行き詰まる。それで、新たなアイデアが必要）
⑥ 描き進み・制作中終盤
⑦ 描き進み・制作終盤
⑧ 仕上げ

　　と、こういう一般的な段階分けができる。　人により、また制作によっても違ってくるのは、行き詰まり方にあるので、制作中終盤や制作終盤で、第三発想や第四発想が必要になってくる場合もある。

　　さて、上の段階分けを、もっと簡単に分けてみることができる。　簡単に分けると、制作の段階的なポイントが見えてくる。　つまり、絞り込むと三段階になる。　これが、制作の重要な三段階分けである。　すなわち、発想・中盤・仕上げ。　

　　ものの始まりは、常に大事なので、発想が大事な段階として最初に挙げられる。　次が中盤。　中盤までは、事故さえなければ、おおむね順調に進む。　中盤でたいてい、壁にぶつかる。　第一発想では足りないと気が付いたり、例えば顔の描写が上手く処理できないとか、色々な問題を抱えてしまう。　

　　そして、上手く中盤を乗り切ったとして、最後にやって来るのが、仕上げである。　この段階分けで、一番厄介なのは実は、仕上げだと言える。　この仕上げが、その制作の全てを締めくくるので、これをおろそかにすると、後で後悔する。　
　　絵を１０年描いている人でも、この仕上げを重要とは考えない。　なぜか、中盤過ぎるともう仕上がった気分でいる。　それでは、いつまで経っても絵は良くならない。

　　考えてみれば、お分かりだろう。　

野球の試合に例えると、勝ち試合を締めくくるピッチャーをクローザーと言うが、正に試合をクロウズ（終りにする）するピッチャーが、もし打たれて逆転負けしたら、それまでのホームラン・タイムリーヒット・ファインプレーが、全て消し飛んでしまう。　
　　何事も最後が重要なのは、何もスポーツの試合に限らず、絵の世界でも同じことが言える。　

　　制作技術で、または、制作で、一番重要なのは仕上げだと覚えよう。　
プロでも仕上げだけは、手を焼く。　だから、仕上げを完璧にできるプロは存在しないと、断言できる。　
　　なぜなら、最後の最後に皆、必ず迷うからである。　真剣に描けば描くほど、その気持ちに比例して迷いも増幅する。　
　　あの有名な「モナリザの微笑」も、ダビンチが、最後まで手元に置き、直し続けた。　ある日本の洋画家が、小川を描いた作品を、十年以上も直し続けたという逸話もある。　
　
　　そのくらい直すことが良いという話をしているのではない。　それだけ、迷うと言う話をしている。　実際、直し続けたために絵が悪くなる場合もある。　直し続けて良いことはないと、私は思う。　おそらく、絵描きのほとんどが、そう思っていることだろう。　

　　しかし、本人はどうしても直してしまう　何十回も何百回も見ていれば、気になる所は、尽きない。　そういうものである。　けれども、結果が良くなるか悪くなるかに係わらず、直してしまうのが、描き手の性分というもの。

　　この仕上げ方については、ある程度要領はある。　完全ではないが、あることはあるので、次回にご紹介しよう。　研究所レベルでも、ご紹介したがここで繰り返し、できるだけ分かりやすく説明したいと思っているので、　　乞うご期待。　　


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＜描写技術と制作技術の違い＞

　　さて、５回目のアート講義をしてみようと思う。　
絵の話は切りがないが、たまたま頭に浮かんだので、書き留めることにする。

　　今回は、「描写技術と制作技術の違い」について、話すことにしよう。

描写技術と制作技術については、研究所レベルでも何度か取り上げた。　
　　わが、教室の研究所で指導するのも、描写技術ではなく制作技術である。　

初めて聞いた方のために、簡単に説明すると、果物を果物らしく描けるのが描写技術、その果物を色々組み合わせて、果物画として、仕上げまで持っていく段取りが制作技術。　
　　描写技術は感覚中心、制作技術は思考および経験中心と分けることができる。　

描写技術も制作技術も、ここでの便宜上の呼び方であるが、そもそも、市販の絵の指導書で、考えることも技術だと書いている本は、皆無だと思う。　しかし、明らかに一つの技術だとの認識から、私は制作技術と呼んでいる。
　　制作技術の捉え方が、意外と難しいので、今回は、制作技術をできるだけ噛み砕いて説明したいと思う。　

　　例を挙げよう。　ある人が果物画を描こうと思い立って、描き始め、描き上げるまでに感覚と思考が、どのように絡むのか。　ハイブリットカーが、ガソリンと電気を交互に使いながら走るのに大変良く似ている。　
　　制作の部分部分をズームアップして、感覚として感じている状態と、思考として考えている状態とを分けてみよう。　
　
　　仮にＡさんが、リンゴを手に取って、これを水彩で描いてみようと考えたところから始める。　


＜リンゴだけを描いても、しょうがない。　他のものを組み合わせよう。　リンゴ三つにバナナの房を、足の付いたフルーツ皿に乗せよう。　下にランチョマットを敷き、リンゴを一つだけこぼれたように、フルーツ皿の脇に置く。　これでいこう＞・・・・・（思考）
　
＜下に置いた一つだけのリンゴを、フルーツ皿の脇ではなく、手前に置いてみる。　どうも、置く位置が難しい＞・・・・・・・・・（思考）

＜始めに、全体的に薄く水彩絵具を塗る＞・・・・・・・・・・（感覚）

＜リンゴは、最終的にどのくらいの濃さにしようかな？＞・・・（思考）

＜一通り描いたが、背景はどうするか？　白のまま残すか？　色を塗るか？＞・・・・・・（思考）

＜背景は、白のまま残すことにしたが、そうすると、ランチョマットはアクセントとして、もう少し派手な方が良いかな？＞・・・・・・・（思考）

＜だいたい、仕上がったので、全体的な色合い・濃淡をチェックしてみる＞・・・（感覚）

＜何か、足りないな＞・・・・・・・・・（感覚）

＜何が、足りないんだ？＞・・・・・・・（思考）

＜カタチだ！　カタチが足りない＞・・・（思考）

＜似たようなカタチなので、ちょっと違ったカタチを付け加えよう。　何が良いかな？　そうだ。
フルーツナイフをランチョマットの上に乗せよう＞・・・・・・（思考）

＜ランチョマットは描いてしまったので、あとからフルーツナイフは、描けないよな？　さて、どうしよう？＞・・・・・（思考）

＜しょうがない、ランチョマットからはずして描こう＞・・・・（思考）

＜よし！描けた。　全体的にもこれで良し＞・・・・・・・・・（感覚）


　　と、いうことでようやく、水彩の果物画が仕上がった。　
　　
上の例でお分かりのとおり、感じることと考えることが、頻繁に繰り返されている。　
　　上の例だと、回数で言えば感覚と思考は、４対１０。　全体の回数を全部数えても、おそらく考えている回数のほうが圧倒的に多いはずである。　
　　つまり、制作は考えながら描くと言っていい。　そのくらい考える回数が多い。
これだけ考えているのなら、絵の描き始めから体系立てることもできそうだ。　と、考えるわけである。　結果、制作技術と言う話になる。

　　制作技術の考え方は、制作は基本的には、制作技術という大枠の中にあると、考える。　
　　制作の始まりを、着想とすると制作技術もそこから始まる。　絵が仕上がれば、制作技術もそこで終了する。　
　　つまり、冒頭で述べたように、制作技術は制作の骨組みとなる段取り技術のことなので、　描写技術は、制作技術の中に組み込まれた技術と捉えている。　

　　リンゴ１個が上手く描けても作品にはならないことは、お分かりだろう。　　リンゴを上手く描くのが描写技術であるが、それだけでは作品にはならない。　他のものと組合わせて初めて作品としてのボリュームが出る。　　　その組合わせ方、出し方もやはり技術と考えるのが、制作技術の考え方である。

　　が、しかし、技術と捉えなくても、絵は完成する。　普通の人は、制作技術という概念がないので、事実上、「描く」・「考える」を無意識のうちに繰り返し、絵を仕上げることだろう。　それは、それで良いのだが、私が言いたいのは、制作にも理屈があるということ。
　　
　　感覚には理屈がない。　したがって、分析不可。　しかし、「考える」ことには、理屈が付けられる。　理屈があるなら分析もできるし、分析すれば、今後の方針や、失敗の対処もしやすい。
　　制作の未知数を理屈で、できるだけ整理できるなら、そうしたいし、そうすべきだろう。
　　行き詰るたびに、頭を抱えても、無闇に混乱するだけである。　制作は、どっちにしろ迷い事から逃げられない。　

　　制作は、闇の中を歩くに等しい。　それで、闇を歩く技術がほしくなる。
それが、制作技術。　つまり制作するための技術という考え方である。


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＜第一発想・第二発想＞

　　ここにきて、４回目のアート講義をしてみようと思う。　
今回のテーマは発想について。　着想ともアイデアとも言う。
　　
　　前回の「有志納涼会報告」で、参加者の作品展示の話が出たが、ある会員が、八つ切りくらいの画用紙にイメージ画を出品していて、その講評となった。　
　　２点とも抽象的な表現であったが、二つの作品の大きな違いは、第一発想で描かれた絵と、第一発想と第二発想で描かれた絵であった点である。　本人に確認したら、やはりそうであった。
　　それが、どう違うかが、今回のテーマというわけである。
　
皆さんが、こんな絵を描いてみたいと思う時、まず、頭の中にイメージがあると思う。　　　順番でいうと、発想してからイメージすることになる。　大体において、発想した時点では、単体が多い。　それに、多少肉付けした状態がイメージ。　イメージは少し具体的になる。　発想だけでは絵にならない。　そのため、少し膨らますのである。　

　　この発想したものを仮に　A　とする。　イメージするために膨らませたものが、A‘（ダッシュ）になる。　これを、もう少し膨らませても　A‘‘（ダッシュダッシュ）になる。　
　　つまり、頭の中で発想してイメージで膨らませたものは、全て　A　群になるということ。
　　この　A　群が第一発想になる。　
　　　　
第一発想だけで絵を描くと、どうしても単純な絵になる。　頭の中からポンと出てきたままなので、もの足りないのは当然と言えば当然であろう。　

　　しかし、この　A　群の第一発想だけで、絵を描く場合がある。　一般的に言って「カット」と言われるものがそれに当たる。　雑誌などで、文章に挿入される小さい絵のこと。　
　　「カット」は、多分日本語英語であるので、日本語的に説明すると、絵を半分にカットしたと言える。　部分図と言えるかもしれない。　したがって、それ自体は独立できない。　何かの文章の説明、というポジションが一番妥当であろう。　
　　このカット画は、第一発想だけで事足りる場合が多い。　つまり、第一発想だけで絵を描くとカット画になってしまうと言える。
　　
　　絵にするには、第二発想以上が必要になる。　B　群である。　
発想にも大枠というものがあり、大枠はせいぜい三つくらい。　A　群・　B　群　そして　C　群。　
　　これは、絵の骨格となる発想のこと。　これに、細かい　d・e・f・g・・・・・　が、くっ付いて一つの絵が完成する。　
　　　
　　整理すると、A　または　A　群のみが、カット画。　A　＋　B　も単純になりやすいのでカット画になりやすい。
　　絵にするには、A　群　＋　B　群、または　A　群　＋　B　群　＋　d・e・f・g・・・・・、または　A　群　＋　B　群　＋　C　群　＋　d・e・f・g・・・・・　となる。

　　最近、私が描いた絵は、ちょっと複雑で、まず大きな　A　があり、それ以外が　B　群、C　群、D　群、E　群＋　d・e・f・g・・・・・。　
　　これは、大きな　A　を主題として画面の真ん中に置き、それを　B　群以下で周りを囲っている。　
　　そういう、描き方もある。　B群以下が多いと画面の整理に追われるが、画面構成上必要なのでこうなってしまった。　

　　と、まあ、一つの絵を完成させるためには、多くの発想、アイデアが必要であるという話である。　
　　皆さんも知らず知らずの内に、色々とアイデアを出して描いているはず。　描き方、塗り方もアイデアの内であり、色もそうだし、カタチもアイデアになる。　
　　だから、描いた絵がもし物足りなかったら、それはアイデア不足と考えて間違いない。　
　　発想、アイデア・工夫。　絵はそうやって描くものだと覚えよう。


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